A Society You Don’t Need To Mask For
You cannot engage with Japanese culture without encountering some kind of mask. This goes beyond discussions of battling COVID and allergies; be it the 14th or the 21st century, masks are everywhere. Whether for theatre like Noh masks, rituals like fox masks, protective gear (防具) in Kendo, or for fighting the villain of the week as Ultraman does; the variations of masks are numerous, and the roles they hold diverse. Now, this East Asian archipelago has one more to add its collection: the Danbol Mask, styled from the Japanese word for cardboard (段ボール). And the man behind this? Yoshikazu Inoue (井上嘉和).
By day, Inoue is a photographer running a studio in Hirakata City that he inherited from his father (there is at least 50 years of photography at this studio). Here he helps capture the special moments for local families. By night... he is still a photographer, just elsewhere. “I’m doing my local photography work here, but I like music, so once I finish work, I go to a concert and take a few more photos there. And this was how I was operating.” Although nothing led to paid work in the beginning, he has since gotten to know a good number of people. He has documented the works of the theatre group Ishinha (維新派), and photographed the works of dancer Min Tanaka (田中泯) and sculptor Kohei Nawa (名和晃平). When Patti Smith performed in Kyoto in May this year, Inoue-san was the one to call.
The cardboard mask however has much more humble beginnings. Inoue studied design back in high school, but had to drop it for photography for the family business. Around 2008, he had an idea how to have some fun, by making a mask with some cardboard at his workplace. When he went home, he managed to terrify his children into tears, and they beat back their oni (鬼 demon ogre) father with beans and affirmations. As a father especially, this “prank” was so successful that he was resolved to do it again the next year.
“There’s a surprising number of Japanese rituals that involve making children cry. If you’re going to put on an oni costume, kids are going to cry... One example in the Tōhoku region is the Namahage festival, in Akita prefecture, where they put on oni masks and visit peoples’ houses at night, make the kids crymove onto the next house... By doing this, they protect families from calamity, bring good health, etc. Setsubun also falls into this kind of category. When the oni visits, the kids work hard to throw the beans and ward off the evil, even if all while crying. And this was the ritual our family took part in.”
This is all fine until the kids grow up and stop crying. “When my kids started saying that the masks were no longer scary, I started thinking about masks that scared more, that had better quality.” He accepted the challenge, and the family ritual stayed on. Had his kids not actually told him this though, Inoue acknowledges that he might not have continued making cardboard masks.
Nevertheless, he did continue. Uploading the finished designs on social media turned something private into something sought after. Not much – just a few times a year, Inoue would be asked to design, host, or exhibit something. Any workshops he held were usually oni mask-making workshops. “I first cut a bunch of cardboard into long, thin strips. In order to make a mask that fits each of our faces, we start off with a hachimaki (鉢巻きheadband). We get a gluegun, apply it so, and see it solidify immediately.” The headband becomes a hat, the hat becomes a face. As the participants continue, they start to get the hang of things and the masks soon begin to reflect their respective makers.
At the mention of glueguns however, our topic swiftly switches to health and safety. “In the beginning everyone was cutting their strips... But when taking into account the people who don’t regularly use box cutter knives, yeah, having them use one is scary to say the least, so I started handing over cardboard I’d already cut. With the gluegun, of course there was the possibility someone was going to burn themselves, so I tested various kinds of gloves. The result of that led to me using normal, white, cotton gloves, which don’t result in burns but still allow enough movement to make the mask.” The guinea pig involved in these tests was Inoue himself, and yes, he did get burned.
Over time his profile grew here also. He has been requested to make masks for various stages and concerts, as well as for music artists such as M.U.D.R.O.M and Kaho Nakamura. It took time however to shift to what are now “Danbol workshops”, rather than just workshops for making cardboard oni masks. “One day, when asked if I would submit something for a group exhibition [about ghosts and monsters], I thought I would try and make something that wasn’t an oni. And the first non-oni mask I made was Cthulhu.” Many of the younger workshop participants also don’t restrict themselves to just oni. After all, in Japan tokusatsu (特撮 programmes with special effects, incl. kids programmes) like Ultraman and Kamen Rider are still extremely popular. Inoue has noticed here in fact a gendered divide occurring.
“When making the masks themselves, as one may expect, the boys want to make a mask that gives off strength... The girls in turn want to make it cute, maybe attach ribbons for example... and when they put these masks on, the pose they do during photo time would be a pretty pose. A cat pose for a cat mask, maybe some girly poses. And then the boys, with possible feelings of wanting to become strong, put on their monster masks and make poses of strength and such.” Maybe when they get older will some of the boys see the appeal of Hello Kitty and the girls that of Cthulhu.
There are several ideas that these workshops revolve around. One is getting rid of the good/bad binary in terms of quality. “What’s completed goes beyond the idea of good or bad; everyone gets to be what they want, and the kids putting on the masks look especially proud.” Inoue will step in if the kids want to make something a little more complex or are having trouble with something. However he isn’t going to encourage a participant to make something perfect. “Because not making something well doesn’t make it a failure... There are plenty of masks made without professional techniques, and their so-called ‘lousy’ parts can be rather lovable.” A work of art doesn’t have to be professional to be cool or lovable. It doesn’t even have to be well-received. How does the artist themselves feel about what they’ve created? Can they enjoy what they’ve created?
His own approach to design also explains a lot about his workshop direction. Despite having been a fan of tokusatsu and their villains-of-the-week (especially considering their diverse designs), he has no desire to replicate what has already come before him. “I try not to make derivative works. I could be looking into the design of Kamen Rider’s mask, but just because that’s how that mask is made doesn’t mean that’s how I want to make my masks.” But surely we don’t make art in a void? “What I make might be similar to something else. But I’m making things for fun, so I’m not going to be too strict... [But still] I don’t want to imitate. Even if there are influences, that is not what I’m making.”
Kids may differ, in that they might choose to recreate an Ultraman mask or whatnot. There is the risk nevertheless that they will struggle to match what’s in their heads with what they can design. Some ideas aren’t even suitable for cardboard. In these cases, Inoue will give alternative ideas or encouragement to keep going. Yet even if the kids are yearning to imitate, Inoue won’t shy away from acknowledging what can’t be done. In fact, this is not necessarily a limitation. “Originality is something I revere. Participating kids say they want to make something, but they don’t have the technical skill to fully imitate it, so it will never be that thing that they envision. But the fact that it doesn’t resemble it is something that can be cherished... Even if they can’t make it well, that resulting ‘imbalance’ is something to hold dear.”
At the same time, Inoue is aiming for something even deeper. During our conversation the word “primitive” comes up numerous times. “When I was younger, around kindergarten age, my grandad used to take me to the National Museum of Ethnology. They had many artefacts for festivals, clothes that were worn all over the world, of course there were also masks... I went several times a year... I’d look at the masks from these various countries and think ‘so cool’”. His interest in pre-modern societies is not simply a nostalgic lens for the past. There is a lot that can be said about the professionalisation of hobbies and the arts; how the pressure to hustle and secure alternative means of financial security have ruined our ability just to enjoy things. Before modernism crept in however, societies were to a degree making things because they needed making. Functionality over form, so to speak; making things and treasuring them for what they provide, rather than how they look, or what school of thought lay behind the techniques used to make them, or whatever status arises from all of that. “I don’t want to rely on technique, I want to use what the kids have created as is, what they earnestly think is good enough...” Primitive: before the rest of the world gets to comment and snuff out that pure excitement, the kind that we adults have lost in our claim to the rational and mature.
On top of this comes talk of tribes: “I don’t want to be biased towards any country’s particular way of making things. I don’t want to be entered into some kind of category. I find it interesting when Danbol results in masks that evoke a completely new tribe, one beyond nationality... A tribe that doesn’t belong to any particular place.” At the end of every workshop is a group photo, where everyone dons their masks, and for a moment, gets the fleeting experience of being part of a tribe, separate from one’s day-to-day life. “It’s not about each participant having completed their masks; it’s the good feeling of everyone having been part of a group. That’s why there is the group photo at the end... Everyone’s individual mask is brilliant and we photograph that, but... it’s more proof of having spent time together with everyone.” Primitive: existing together, beyond blood and country and gender and other modern classifications.
This notion of the primitive can be expanded to also reference how people behave; by wearing their masks, the workshop participants get to access a different side to themselves. “Rather than embodying a different self per se, [they can access] a self that’s deeper inside... a self that is usually held back. By putting on the mask, the embarrassment around [revealing] this is curtailed... And being in that workshop environment, you start to think ‘ah, it’s OK to let go and play here’”. Inoue has had plenty of comments of how the kids themselves change. “Parents have been surprised how their kids are normally shy, yet here they are having the time of their life. What they normally are unable to do, they’re doing now; this happens a lot.”
This kind of discussion isn’t just limited to kids. Whether it’s police resisting identification and accountability, or street protesters protecting themselves with anonymity; masks make room for different behaviours. Any article that covers the face, whether venetian or islamic or medical in nature, is seen not only to embody this notion of different behaviors, but can also be seen to embody this as a kind of threat. “Masks basically belong to the scary... First, you don’t know who is behind it... Because you cannot see the face, the personality is hidden. And when the wearer tries to communicate in this state, they need to switch up whatever gestures they make, leading to a bigger presence... When the police hide their face, their authority is made visible in their physical actions... Via the mask, movement itself emanates power...” The resulting consequence is that what was scary becomes even more scary.
However fear is not the only emotion or attribute that falls under this effect. “Japan has some strange masks, such as the hyottoko (ひょっとこ a comical male character with a puckered mouth). It’s similar to a clown... It’s a funny mask. When you put that mask on, you begin to move comically. Wearing that mask, whatever zaniness there is is then multiplied.” In some ways, this can sound like losing your own self to that of the mask; turning into a performing machine. At the same time though, it could be simply an issue of communication. As the mask is static, what’s subtracted from the face has to be added elsewhere, such as via movements from the body. Would this still be allowing a hidden self to emerge?
Ultimately it depends on what type of play the mask-wearer wants to engage in. Do they want to fully immerse into a role, or do they want to drop a role? “The mask-wearer gesticulates in a manner as is demanded by the character of the mask. If a kid makes a strong oni mask, they’ll move to emphasise that they are strong. This is I guess what happens pretty much with make-up. You work on putting on your face, and your movements match to become pretty. You change your hair up and suddenly ‘Look at this cool guy!’, confidence gets embodied.”
In this regard, donning a mask is not a one time event, but something we do regularly. For Japan though, there are other ways in which masks take up social space. “For Japanese people, wearing masks as a part of festival activities is generally accepted. Seeing someone wear a mask is not out of the ordinary or a cause for concern. Even seeing someone wear a mask in daily life, people here will just think ‘Oh they’re wearing a mask’... ‘Maybe there’s a festival happening.’” Masks are part of Japan’s cultural landscape. This is very easy to imagine. These festivals though are a major component in Japan’s understanding of spirituality. “Spirituality in Japanese culture is the default, the all-around-you standard; it’s not relegated to a specific ritual. At the same time because of this, it’s become diluted; a lot of meaning is lost. I kind of suspect that the awe that was held towards religious ceremonies in the past has been lost.” He expands further:
“There are many believers here... But despite the awareness towards religion, people here follow the seasons; their behaviour changes as each season passes... And people’s understanding of spirituality following this becomes focused into the festivals. Nevertheless people aren’t thinking about all this in terms of religious ceremonies... In the end, festivals like Obon see local people assemble, pray for their ancestors... But then, I don’t think people these days are really thinking about their ancestors. They just get together, they dance, they think about how fun it was...”
As a component of festivals, masks can thus come and go with the seasons. They might also just be treated as tools of joy, with little regard for their ceremonial and historical functions. Yet they still hold power. They still produce culture, affect our psychologies. They allow people to access different sides of themselves, no matter how strange the circumstances are. “Different regions have a variety of odd festivals that are only held in that one region.From there, the number of festivals with rigid rules is plentiful, and as a result you get all these strange festivals. Perhaps these Danbol workshops themselves are a kind of strange festival... That would be fun.”
Are there future plans to make these workshops something of a fixed, regular event? Inoue would love it if the workshops and the cardboard masks actually became some kind of tradition or festival. The more he is active in this field, the more he’s noticed that there is a desire to try out these kinds of masks. As of last year, he’s being asked to feature his works and workshops beyond Osaka, such as Okayama and Gunma prefectures. He thinks it would be cool if, after visiting a place, people there continued holding workshops without him. For the time being though, he will continue making memories with his workshop participants. “I think it’s important to have fun and create good feelings... I want everyone to go home with that sense of fun... And then when the kids become adults themselves, they might want to make masks and scare their kids like I did... Then reassure them that ‘It’s just dad!’... If the kids in my workshop would do that for their kids, I’d be thrilled.”
日本の文化に触れるとするなら、いつか「MASK」について語らざるを得ないだろう。ここでいうMASKは、コロナウィルスや花粉症に限られたものではない。14世紀であれ21世紀であれ、MASK（仮面）は至るところに存在している。能劇に用いられるもの、儀式で身に着ける狐のお面、剣道の防具、あるいは特撮ヒーローの敵役が被るものなど。いかなる場面であっても、仮面とその役割は星の数ほどにある。今回は、この東アジアの列島における「ダンボルマスク」（段ボールマスクから）という独特の一種について、考案者の井上嘉和さんと語っていく。
井上さんは昼間、写真に携わる。お父さんから受け継いだ枚方市の写真館で、地域の家族たちの大事な想い出を撮影している（写真館は、50年以上続いている）。そして写真館の仕事とは別に外へと撮影に出かける。。「地域で依頼を受けて撮影をしながら、僕は音楽が好きなので、仕事が終わったらライブを撮りに行くという生活をずっとしていた。」最初は給料はゼロだったが、いろんな人と知り合うようになった。「維新派」という劇団の記録撮影を務めることも、ダンサーの田中泯や彫刻家の名和晃平との舞台なども撮影したこともある。パティ・スミスが今年５月に京都で演奏した際に撮影を行ったのも井上さんだった。
段ボールマスクの起源はそれほど古くない。高校の頃には、井上さんはデザインの勉強をしていたが、その後、家業を継ぐために写真を学ぶことになる。2008年の節分の日に家族で楽しもうと思いつきで仕事場にあったダンボールでお面を作ってみた。家に帰ると、子どもは泣き、豆を巻き、鬼は逃げ出した。お父さんとしては、このいたずらは翌年にも繰り返したくなったほど成功した。「日本の行事で、子どもを泣かせるものが意外と多いよ。鬼の格好をすると、子どもが泣く。例えば東北、秋田県の『なまはげ』という祭りには、鬼のようなお面を被って、各家を訪れて、子どもを泣かして、また次の家に行く...人々の怠け心を戒め、災いを祓うありがたい存在で、その家が健康になったりとか...節分にもそのようなところがあって、鬼が訪れることで子どもが頑張って、泣きながらでも豆をまいて、災いである鬼を追い返す、ということを行う祭事として行っていた。」
家族の伝統としてはいいかもしれない。しかし、子どもたちは成長する。「子どもがもう鬼のお面は怖くないと言ったから、もっと怖がる面を作っていこう、クオリティを上げていこうという気持ちになった。」井上さんは挑戦に向き合った。結果的に、家族の伝統が続いた。もし子どもたちがそう言わなかったら、井上さんは段ボールマスクをやめていたことだろう。
結局、お面を作り続けた。SNSにも出来上がったものをアップした。それによって知名度が徐々に上がり始めた。最初の頃はそこまで活動をしていなかった。例えば、ある年には数回、ワークショップやグループ展での展示 などの依頼が届いた。なお、ワークショップの依頼は、だいたい鬼のお面作りだった。「最初にダンボールを帯状に細長く切る。自分の頭のサイズに合ったお面を作るために、まずはハチマキを。それをホットボンドで固定していく。ホットボンドは数秒でくっつくので便利。」鉢巻きは帽子となり、帽子はお面となる。参加者は作り方に慣れてくると、お面はだんだん個性を反映する。
ここで、話が突然安全面に移った。「最初に段ボールを自分で切ってもらっていた... ただ、普段カッターナイフを使っていない人たちが、使うのは怖いなぁと思ったので、僕が切って用意したものを渡すようになった。
ホットボンドも、やっぱり火傷する可能性があるので、手袋を色々を試して、結果として作業がしやすくて火傷もしない白手袋を使うようになった、普通の綿のね。」実験台は誰というと、井上さんだった。もちろん何度も火傷をしながら（笑）。
お面を制作を続けることで知名度はさらに高くなった。 M.U.D.R.O.Mや中村佳穂さんみたいな音楽家だけではなく、いくつかの舞台やイベントのためにも依頼が届いた。ただし、鬼のマスク作成から現在の「ダンボルワークショップ」への進化には時間がかかった。「ある日、グループ展といって、妖怪がテーマとした展示会に『井上さんも出してくれないか？』と声をかけられたときに、鬼じゃないのを作ってみようかと思った。初めて鬼じゃないのを作ったのはクトゥルフだった。」ワークショップで子供の参加者も鬼のマスクに留まってはいない。所詮、【ウルトラマン】や【仮面ライダー】のような特撮は日本のもので、子どもたちの間ではまだ人気がある。しかし、井上さんはここで性別による違いに気付いた。
「自分で作るときに、男の子は強そうな面にしたい... 女の子はやっぱりかわいくしたい、リボンを付けたりとか... 作った面を被ったときに、写真を撮ろうといったときのするポーズはプリティなポーズになる。猫だったら、猫のポーズになったり、女性らしいポーズになったりとかするし、男の子はやっぱり強くなりたいみたいな気持ちがあるのか、鬼の面を被ったら強いポーズになったりする」。歳を取ると、【ハローキティ】は男性たちに、クトゥルフは女性たちにそれぞれアピールが見えてくるだろう。
井上さんが行うワークショップはいくつかの概念に基づいている。一つは、品質によく付けられる「良い／悪い」というバイナリ（二論性）をなくすことだ。「上手い下手をなくしたい...できたものは上手い下手を超越して、皆それぞれが好きなものになっているから、《作ったお面》を被る子どもたちはどこか誇らしげです。」作りたいデザインが複雑すぎる、または参加者が困難に直面しているとき、井上さんは手を貸してあげる。とはいえ、参加者に「完璧な作品を作るように」と励ますことはしない。「上手く作れないことは失敗じゃないから...プロフェッショナルな技じゃないお面もいっぱいあるけど、そのうまくいかないところがすごく愛しい。」恰好いいかつ愛しいものとみなされるために、専門家レベルのように作る必要は一切ない。良いとみなされなくともいい。アーテイスト自身は、自分の作品に対してどのように思っているのか？作り出したものを楽しむことができるのか？
ワークショップの流れに影響する概念は、これだけではない。井上さんも特撮や、毎週登場する多種多様な悪役が大好きだが、既存のものを複製することには興味がない。「二次創作にならないように気をつけている...【仮面ライダー】を調べながら、【仮面ライダー】《が被っているもの》はこういう面だからという風な作り方をしたくない。」しかし、以前にあったものを参考にしないというオリジナルアートは存在し得るだろうか？「似てしまうとのこともあるかもしれない。でもそこは楽しく作っていることなので、厳しくしすぎない... 《とはいえ、》似せたくない。影響があっても、そのものを作りたくはない。」
これは子どもたちとは異なる。【ウルトラマン】のマスクをわざわざ複製したい子もいるかもしれない。そのくせ、イメージしているものと手で作れるものは合わない可能性がある。そして、全てのデザインを段ボールから作れるわけではない。この場合、井上さんは、子どもの意思を否定せずに回避策を提案したり励ましたりする。ただし、複製が最終目的であっても、できないデザインはできないという事実は否定しない。実は、できないということは必ずしも制限ではないと思っている。「オリジナリティを大事にしたい。参加した子が作りたいと言って、作ってもテクニックがないから似ない、目指しているものにならない。でもその似ない感じがすごく愛しい...作りたいけれど上手に作れない、その《結果となる》アンバランスが僕は愛している。」
オリジナリティに平行して、井上さんは他の何かを目標にしている。インタビューの中で「プリミティブ」（原初的）という言葉は何回か出た。「僕が、幼稚園か保育園の頃に国立民族学博物館に行って、世界中の色々な祭りの道具や、その国の人が着ているもの、もちろんお面もいっぱいあった...祖父が連れて行ってくれて、年に何回も行くぐらい好きだった...色々な国のお面を見て『格好いいなぁ』と思った。」前近代の社会への関心は単なる懐かしさとは違う。現代では、趣味や芸を職業にせざるを得ない圧力があると言える。経済的安定を確保する必要も踏まえて、物事をやって楽しむだけという目的が変わってきてしまった。前近代の社会にとっても、必要だったから物を作ったが、その作品をただ使った。見た目や、制作技術の背後にある思想、その思想に付随してくるステータスという点よりも、機能性の方が重視されたのだろう。それに加えて、その機能性を通じて文化の実践、伝統の引き継ぎや人々の幸福も生まれていた。「子どもが素直な気持ちでいいと思ったものをそのまま、テクニックに走ってほしくない...」原初的：周りの世界が評価を付けないうちの純粋な盛り上がり。大人が成長に伴って誇りから失った盛り上がり。
とにかく、原初的という言葉を使うと、どうしても部族の話になる。「一つのカテゴリーに入れたくない...どこかの国のどこかの作り方に偏りたくもない。そういう意味で全く無国籍な新しい部族のお面みたいな感じで、『Danbol』という風になったら面白いなぁ。どこにも属していない全く新しい部族。」各ワークショップの最後には記念写真が撮られる。参加者がマスクを被ったら、刹那的でも、日々の生活から離れてこれまで存在しなかった部族のメンバーとして新しい居場所を見つけられる。「一人一人が『お面ができました』じゃなくて、作った皆が一つの仲間になって、『よかったね』という気持ちになる。だから最後にできたら集合写真...一人一人の作品も素晴らしくて撮っているけど...皆が一緒に時間を共有した証拠となる。」原初的：血や国、性別、その他の現代的な分類を問わず、一緒にいること。
原初的という言葉の解釈を行動にまでさらに広げることができる。マスクを被る際に、参加者は性格の違う面を引き出せる。「違う自分というより、自分の中にある本当の自分...普段遠慮している出さなかった自分が、お面を被ることによって、恥ずかしさが抑えられたり...その場所の空気で『あ、はしゃいでもいいんだ』...」このような変化について、井上さんは保護者からたっぷりのコメントを受けている。「普段シャイなのに、すごい楽しそうにしていると見ている親がびっくりしたこともある。普段できないのにしているということがよくある。」
この変化は子どもに限られるものではない。規則に反対して特定されないように行動する警察官や、身を守るために匿名でデモ参加者など、マスクを被ることで行動は変わる。周りにとっては、ヴェネツィア系、イスラム系、医療系のいずれであっても、顔を隠すものは、行動変化の象徴であるだけではなく、その変化が危険であることを示すこともある。「基本的にお面は怖いものに属している...まず、誰だかがわからない...顔が見えないからパーソナリティが隠れる。その時に何かを伝えようとすると、ジェスチャが変わって、その変化が大きくする原因となる...警察が顔を隠すと、権力側の行動が体現できる...行動自体がお面によって力が出ます...怖い動きをすると、より怖いものになっていく...」つまり、マスクを被っている怖い者がさらに怖くなる。
しかし、他の感情なども強調できる。「日本でも変なお面がある...ピエロやひょっとことか... ユーモラスなものだ。被るときに動きがひょうきんになる。面白さがより倍増している...」お面が自分をなくして、演じる役割に変質させるように聞こえる。同時に、コミュニケーションの工夫が必要だけなのか。マスクは動的なものではないので、顔ができない分を肢体などで補う必要がある。この行為で隠れていた自分が現れてくる？つまるところ、マスクを被る人次第だ。その人によってある役割を完全に果たしたいのか、それともある役割を脱ぎたいのか？「お面のキャラクターがするべきジェスチャーになっていく。子どもたちが強い鬼の面を作ると、強いぞというジェスチャになっていく。化粧もそういうことになるかな。きれいになろうと思ったら、体の動きもきれいになっていくんじゃないかな。格好いい髪の毛をしたら、『俺が格好よくなったぜ』、自信が出てくる。」
そう考えると、マスクを被るのは一度きりではなく、むしろ定期的にするものだ。その上、日本ではマスクは多様な形でも社会空間に根づいている。「日本人に対してお面を被ると、祭り行事というのは、かなりと受け入れられている。お面を被るということ自体も異質じゃない、違和感がない。生活の中にお面を被るということはあっても『あ、お面を被っている』ぐらいな感じで... 『何かの祭りか な』と思うだけ。」その意味で、マスクはまさに日本の文化景観の一部をなしている。よく目にするものだから、当たり前と言える。ただ、この祭り自体は日本で現れるスピリチュアリティ（精神性）の大事な要素でもある。「精神性が当たり前に存在しているから、特別な儀式ではない。でも意味が同時に薄まりすぎて、なくなっている。昔持っていた儀式に対する信仰心はなくなっているじゃないのかな。」井上さんは語り続ける。
「信じている人がたくさんいて...宗教意識はあるけど、日本人って、自然信仰というのは、四季によって行動が変わったりとか...そうした宗教意識がお祭りになっている...それにもかかわらず、皆はそれをそんなに宗教儀式としてやっていないと思う。盆踊りって、結局その地域の人が集まって...皆が先祖のことを考えていないと思うんですよね、今は。ただ集まって皆と踊って楽しかったなぁという...」したがって、マスクは祭りの要素として季節のように現れたり消えたりするものだ。儀式的かつ歴史的な機能にもかかわらず、単なる喜びのための道具として扱われるのだろう。とはいうものの、力を秘めたものだ。
文化を生み出したり、精神に影響を与えたりして、どんなに奇妙な状況でも違う自分などを引き出すものだ。「地方地方で変わった祭りも...その中にはルールがすごく厳しい祭りもいっぱいある、 奇祭と呼ばれるストレンジなフェスティバルだ。Danbolもそういうストレンジフェスティバルの一つかな...そのような奇祭になっていた。面白いなぁ。」
将来、このワークショップを定期的に続けることを目指しているのか？井上さんにとって、このワークショップや段ボールマスクが新しい伝統または祭りにできたとしたら素敵だと思っている。活動すればするほど、このようなマスクへの関心が高まっていることに気が付く。去年は、岡山県や群馬県からワークショップの依頼も届いてきた。もしワークショップの後に他人が同じことをまた行ったら、井上さんは喜ぶ。とりあえず、大阪でワークショップを行いながら参加者と一緒にいい思い出を作りたい。「楽しませたり、幸せにする行動が大事と思って...とりあえず楽しい気持ちを持って帰ってほしい...そして子どもが大人になったときにじゃ、僕がやったようにお面を作って泣かせてみようか...泣いて、怖がって...でも『お父さんでした！』という感じで、安心させて...参加してくれた子どもたちが、大人のときにそれをやってくれたら嬉しいなと思う。」
Cover image by Yoshikazu Inoue